Archive for category: Spazio Arte

MARCO ANGELINI ABSTRACT CONFIGURATIONS

28 Mar
March 28, 2017

MARCO ANGELINI
ABSTRACT CONFIGURATIONS
Opening March 7th, h. 7 pm
March 8th 2017 – June 26th 2017

Relais Rione Ponte, in collaboration with Emmeotto gallery, is pleased to announce the exhibition project by the artist Marco Angelini titled Abstract Configurations.

 

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356. untitled – cm 100 x 100 – mixed technique on canvas – 2015 – ph Carolina Farina

 

The research of Marco Angelini begins from matter, an essential element of endless possibilities where chromatic surface, thanks to the combination of shapes and colors, becomes the connective tissue of heterogeneous modes of expression: the ultimate goal of the work is the exemplification of an idea, a thought, a dream.

The artist, in this exhibition, retraces twelve year of his career conducted between New York, Warsaw and Rome, a selection of thirty – eight works, exquisitely furnished in the spaces of the Relais, it will channel the viewer into a chromatic universe that is, in the first instance, an aesthetic audacity connected to painting.

Material and colors are intertwined, space acquires, via the withdrawal method object, a third dimension that catches the eye and it is stated as a logical continuity between figuration and abstraction, the eternal conflict that carries with any explicit representation of the tangible world.

 

352. untitled - cm 100 x 100 - mixed technique on canvas - 2015 - ph Carolina Farina

352. untitled – cm 100 x 100 – mixed technique on canvas – 2015 – ph Carolina Farina

 

“The artwork does not define more as the only comprehensive source of delight for a privileged class, with a special sensitivity, but it is an omnipresence of renewable plastic stimuli, necessary to collective equilibrium”. In Vasarely’s words we find a centuries-old idea: the shape is an element of an hidden reality, a stronger visible appearance. Angelini’s works fit on the heels of the avanguard that is no longer exclusively the preserve of abstract art, his research gets its roots into the concept of “pure visibility”, an aesthetic vision in which the composition is constructed through the significant forms.

The artist’s pictorial itinerary is closely related to the study of society, the seduction of reality breaks into Angelini’s paintings through the objects of our everyday life, whose original function is transformed distorting the meaning and spouting a cognitive process that it is never an end in itself, but which manifests itself as a cornerstone of an intellectual approach.

The dichotomy between abstraction and figuration is a junction point, which possesses the characteristics of an optical experience on the borders between sociology and aesthetics action. If the ultimate end of art is to query the community, Angelini’s work fulfills this task emphasizing the need to circumvent the mere decorative matrix of the picture and let the content has a specific gravity in his quest. “The shape of my painting is the content,” the statement by Ellsworth Kelly is as timely as ever, index of how an artwork can create a new point of view, where the visible becomes the intangible existence.

 

MARCO ANGELINI (1971, Rome)

He studies the phenomenon of the city and considers the ways in which cities inscribe people into dynamic processes of constant transformation.His reference point is formed by his cultural and educational background in sociology. Cities create scenarios in which unconscious impulses are made manifest and placed into interaction through and with technology and the radical new possibilities it creates. In this way, cities become the nucleus and ideal habitat for paradoxes and human contradictions. Marco Angelini turns the painted surface into the meeting place of different shapes and materials, signs, and meanings. His work is an expressive research dominated by matter and different kind of materials, mostly recycled: iron, aluminum, paper, cellophane, polystyrene, nails, screws, recording tapes, photographic films, just to name a few. To this surface the Artist applies pigments, powders, glues, metals, and plastics in order to create artworks characterized by a suspended balance, by a pregnant silence and rarefied atmospheres, as well as an immediately recognizable style. In Marco Angelini’s art, matter – far from embodying graveness – becomes a genuine, transfigured emblem of lightness, transparency and levitation. Marco Angelini is distant from ideological critics or positions and he believes strongly that Art has to play a decisive role in society, to make things visible once more, to generate attention and create new opportunities for sharing, communication and interrogation. The works of Marco Angelini were acquired by several collectors in Rome, Milan, London, Warsaw, New York, Melbourne, Washington and one of them is part of the prestigious private collection of the Fondazione Roma (Palazzo Sciarra).

In collaboration with Emmeotto Arte
www.emmeotto.net

logo_emmeotto

 

 

 

A special thank for the participation during the opening
Azienda Vinicola Bisol
www.bisol.it

RELAIS RIONE PONTE
20, Giuseppe Zanardelli, Rome
Only by appointment
Phone +39 06 93576629
info@relaisrioneponte.com
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ATLAS EGO IMAGO MUNDI by Luca Di Luzio

07 Dec
December 7, 2016

 

atlas
Atlas holds up the world, the atlas is the image of the world. Atlas’ hands, arms, legs: muscles, fingers, body parts which are, in the iconography of the myth, in an eternal tension and indivisible from the Earth with its continents, islands and unexplored oceans. Atlas is the ego that perceives the world through the mystery of the body. The very same limbs and the same physical dimension represented by another atlas: the Vitruvian Man by Leonardo da Vinci, that shows the world’s divine perfection. In Atlas, Ego Imago Mundi is the ego of the artist, Luca Di Luzio, and his new human geography. In Atlas a new relationship between the body and the world is established, going beyond the myth and proposing a new humanism in which the artist’s life becomes the centerpiece. The points of Atlas’ maps are the sign of the impression of the artist’s body on paper. Land surface area with lakes and islands, mountains, rivers and boundaries, that Luca Di Luzio generates through the spontaneity of a resolute and docile gesture. Rooms at the Relais Rione Ponte welcome these signs, becoming archipelagos of Luca Di Luzio’s new geography, talking to each other and outlining a new exciting planet.

Studio Pivot

Atlas, Ego Imago Mundi puts the man in the position of redefining his place in space, not adapting to it, but shaping it in his own image. The Atlas project by Luca Di Luzio starts simultaneously with “Magnetic Declination”, curatorial proposal of White Noise Gallery for Set-Up Fair 2016, whose theme was the orientation. The scientifically magnetic declination is the angle between what is considered true north and magnetic north of the planet. The North is the cardinal point of salvation for the individual, the magnetic declination conceptually destroys the objectivity being axiomatically itself margin of error, instability and physical inability to identify an exact destination that is steady and motionless. With the project “Magnetic Declination” is intended to decode, through the collective efforts of Luca Di Luzio, Stefano Gentile and Bruno Cerasi, the new human geography that is taking shape, result of the clash between two opposite forces: the mass migration, inherent to the concept of evolution, and political conservatism, unaware of the individual in favor of the species, a consequence of the difficulty to relocate to a new global economic order.

White Noise Gallery

November 30th,2016  – February 28th,2017

Relais Rione Ponte

Via Giuseppe Zanardelli, 20 Rome, Italy

Art Direction by Studio Pivot

GAZE OUT | Chiara Lombardi

24 Mar
March 24, 2016
www.albertoblasetti.com

GAZE OUT  – Chiara Lombardi

 

 

Chiara Lombardi

The ambiguity of showing and hiding fleeting intimacy that, in the works of Chiara Lombardi, appears at the same time naked but facing the other way, with a look that explores hide places and poetic details of that extreme delicacy of the woman’s. The contrast between brightly colored spots and soft colors, balance an effective and fascinating work.

 

CHIARA LOMBARDI "TELL ME YOUR SECRETS"

CHIARA LOMBARDI “TELL ME YOUR SECRETS”

 

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CHIARA LOMBARDI “MIMESIS 4”

 

CHIARA LOMBARDI_MIMESIS_1

CHIARA LOMBARDI “MIMESIS 1”

 

CHIARA LOMBARDI_MIMESIS_3

CHIARA LOMBARDI “MIMESIS 3”

 

Chiara Lombardi is one the 11 young photographers who take the spotlight in the exhibition GAZE OUT. They are all students at RUFA, Rome University of Fine Arts, selected by the equally young itinerant gallery and study of cultural production – Studio Pivot.

 

GAZE OUT

Photo by Alberto Blasetti

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GAZE OUT | Julia Hautojärvi

16 Mar
March 16, 2016
GAZE OUT - Julia Hautojärvi www.albertoblasetti.com

GAZE OUT – Julia Hautojärvi

 

Julia Hautojärvi

In her works, Julia draws the harmony of Light. The natural landscapes in which it is reflected, become scenic design, as the tall trees in the midst of the Finnish woods where she grew up. Julia likes to portray herself in her work exposing an essence of Melancholy.

 

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JULIA HAUTOJ+äRVI_TAKE ME BACK TO THE CENTURY WHERE I BELONG

 

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JULIA HAUTOJ+äRVI_THE SPACE BETWEEN SPACES_1

 

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JULIA HAUTOJ+äRVI_THE SPACE BETWEEN SPACES_2

 

Julia Hautojärvi is one the 11 young photographers who take the spotlight in the exhibition GAZE OUT. They are all students at RUFA, Rome University of Fine Arts, selected by the equally young itinerant gallery and study of cultural production – Studio Pivot.

 

GAZE OUT

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GAZE OUT

01 Mar
March 1, 2016

1 March 2016

Curated by Studio Pivot and in collaboration with RUFA Rome University of Fine Arts

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Gaze Out _ Martedì 1 Marzo 2016 _ Relais Rione Ponte_2

Studio Pivot 

RUFA – Rome University

ACCENNI / ALLUSIONS – Romina Bassu, Lounge

08 Feb
February 8, 2016

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Romina Bassu’s works exude ambiguity, they are inhabited by characters who often interact with each other. Although the figurative aspect amplifies the narrative element, the intention of the author is not to “tell” a story with a linear logic. She has indeed most likely the will to create a voltage without the need to create didactic content. Sometimes she hides a face or deletes a look, elements that distinguish and identify a person. These figures are described by Romina Bassu as a “logic of deprivation” she describe those details as erased by time, just like the images of an old movie that has lost sharpness. The painterly gesture to cover the appearance helps to break the formal rigor of a figurative abstraction, flooded combination that accentuates the dramatic aspect. The decision to make it look as if time had stopped 50 years is not just a side effect of the origin of the images. What interests the author of that period are definitely the stereotyped people. The historical distance allows you to more clearly interpret the characters of that time in their psychological stress and their collective behavior.

Romina Bassu nasce nel 1982 a Roma, dove vive  e lavora. Studia all’Accademia di Belle Arti di Roma e presso la Facultad de Bellas Artes di Sevilla. Nel 2004 inizia la sua collaborazione come assistente nello studio di Alberto di Fabio e in quello di Cristiano Pintaldi. Dopo alcuni anni si sposta a Londra dove inizia la serie “I’m stressed out” che si conclude a Berlino con una personale. Trasferitasi in Spagna dà inizio al progetto “Archivo anonimo”, che parte da una minuziosa ricerca di foto antiche che evocano il passato. Con i suoi lavori l’artista cerca di rendere il senso del tempo che scorre sugli esseri umani cancellandoli e trasformandoli in figure nostalgiche. In questa prospettiva crea una “mitologia individuale” nella quale tutti possono riconoscersi.

 

"Edipo" Acrylic on canvas, by Romina Bassu

“Edipo” Acrylic on canvas, by Romina Bassu 2015

 

Mostre personali

2015 Mnemosyne, MEB Arte Studio, Novara, Italia. (catalogo)

2014 Archivo anónimo, Galleria Manuel Alés, La Línea de la Concepción. Cadiz, Spagna.

2013 Archivo anónimo, Sala Rafaél Argelés, Fundación de Cultura José Luis Cano, Algeciras| Sala Rivadavia, Diputación de Cádiz , Spagna. (catalogo)

2010 I’m stressed out, Pantocrator Gallery, Berlino, Germania.

 

"Transfigurazione" Acrylic on canvas, by Romina Bassu 2015

“Transfigurazione” Acrylic on canvas, by Romina Bassu 2015

 

Mostre collettive

2015

ArtVerona 2015, Galleria Marcolini, Verona, Italia.

Una mostra di arte contemporanea, MEB Arte Studio, Borgomanero, Novara, Italia.

Group psychology (and the analysis of the ego), Galleria Marcolini, Forlì, Italia.

Paesaggi Contemporanei, MEB Arte Studio, Borgomanero, Novara, Italia.

A fil di spada, Studio Pivot, Accademia d’Armi Musumeci Greco, Roma. Italia.

Ritrovarsi, Festival Internazionale d’Arte Contemporanea, Quartiere dei marinai, Sciacca. Italia.

 

2014

Arte Contemporanea, Sottotitoli, MEB Arte Studio, Borgomanero, Novara. Italia.

Premio Internazionale Marche d’acqua Fabriano Watercolour, Museo della Carta e della filigrana, Fabriano; Museo della carta di Toscolano Maderno, Brescia, Italia. (catalogo)

 

2013

Art Project Vejer, Casa de la Cultura, Vejer de la Frontera, Spagna (catalogo)

Paradise Now, Extraspazio, Rome. Italia.

Textures collettiva, Palazzo Montevergine, Airola, Benevento. Italia.
Premio Combat
, Museo Civico G. Fattori ex Granai di Villa Mimbelli | Museo di Storia Naturale di Livorno. Italia. (catalogo)
Premio Internacional Fundació Barcelona Olímpica. Arte sobre papel
, Museu Olímpic i de l’Esport, Barcellona,Spagna. (catalogo)

Premio internazionale Bice Bugatti – Giovanni Segantini 2013, Sala Gio.I.A, Nova Milanese

Mailbox, Chance art gallery, Roma | Pescara; Undergallery, Milan. Italia. (catalogo)
Ars Visibilis, MECA Mediterráneo Centro Artístico, Museo de Almeria, Spagna.

Arte gira dreams, MECA Mediterráneo Centro Artístico, Facultad de Bellas Artes de Granada, Spagna. (Web)

No, lo siguiente, Nando Argüelles art projects, Sotogrande, Cádiz, Spagna.

 

2012

Sincronicidades, Espacio Continuo Gallery, Badajoz, Spagna.

Bienal Marítima, Casa de las Cuatro Torres, Cádiz, Spagna.
Fondo de galería, Nando Argüelles Art Project, Sotogrande, Cádiz, Spagna.

2010 Open Studio, 142-143, Berlino. Germania.

"Transfigurazione" Acrylic on canvas, by Romina Bassu

“Transfigurazione” Acrylic on canvas, by Romina Bassu

 

 

 

These artworks are for sale.

ACCENNI / ALLUSSIONS

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ACCENNI / ALLUSIONS – Elisa Bertaglia Room #104

02 Feb
February 2, 2016

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Untitled (Bluedbirds 2)- Oil pastel on paper. 2015

Untitled (Bluedbirds 2)- Oil pastel on paper. 2015

 

ELISA BERTAGLIA. DIPINTI

GALERIE MZ DAL 20 MARZO AL 17 APRILE 2014

I lavori di Bertaglia sono spesso incorniciati, l’uno di fianco all’altro, organizzati per gruppi. Sebbene utilizzi la carta come veicolo d’immagini, l’artista definisce “quadri” le sue opere poiché risultano più determinate e condotte fino al termine rispetto a disegni, che in arte sono spesso solamente iniziati, restano anelanti e mai realmente completati. Infatti, è la tecnica complessa nel passare uno strato di carboncino, di matita, di olio di lino, di olio di papavero, stemperato con la trementina, a fare la differenza, a condurre alla spessa costruzione della composizione, insieme alle tematiche, in cui Elisa identifica il pieno realizzarsi dei suoi quadri.

Se si lascia il tempo necessario agli occhi perché l’opera possa dare il suo effetto, alla mente perviene una rielaborazione di grazia, sensibilità, interiorità. I dipinti risultano accomunati dalla ridotta scelta cromatica, data solo da lievi gradazioni di grigio, che risuona dalle superfici bianco-latte alle diverse sotto-note di grigio. La paletta cromatica dei grigi si fa più scura tendendo al grigio-nero senza mai tuttavia divenire opaca. Raramente, ecco esplodere scintillii di colori all’orizzonte attraverso spesse pennellate di blu, verde, rosso. Come una nebbia che sale, il colore avvolge i protagonisti esaltandone i contorni, in un modo tale che li rende isolati, fragili, non connessi, in nessun luogo. Per Elisa tutto ciò ha un significato preciso poiché vi conferisce quella stessa atmosfera del paesaggio in cui è vissuta, dove d’inverno una fitta nebbia predomina sulle cose materiali livellandone le differenze. Allo stesso modo il paesaggio diviene simbolico, decorato da volti mitologici. Simbolismo e sogno si uniscono a formare una nuova mitologia, resa chiaramente anche attraverso un “sotto”, o meglio, un “contro”- mondo, quello dell’inconscio, che simboleggia l’inversione del paesaggio, inscenata da un cielo “capovolto”.

Si osservi ora ciò che questa nebbia livellante contiene e si resterà in qualche modo sorpresi: continua a riapparire sempre lo stesso prototipo di ragazza, in costume da nuoto, immobile, ora siede, ora è rannicchiata o distesa. A volte la testa coperta da una cuffietta da nuoto oppure manca del tutto. In un caso la ragazza indossa addirittura una mascherina. Spesso invece il capo è coperto o completamente sostituito da una bestia dalla forma di serpente. La rigida immobilità, con le braccia tese in alto preganti, a volte aderisce strettamente alla terra, altre volte manca completamente un contatto col suolo, ma senza per questo volare. I movimenti non sono ampi, i piedi restano vicini uno all’altro, le braccia serrate sulla schiena.

Compare inoltre una seconda tipologia di ragazza: una giovane ragazza il cui corpo si tramuta in donna. Bertaglia ha messo in relazione ad una sorta di “metamorfosi” la serie di opere nate nel 2013, con ciò intendendo la loro tematica come il passaggio dall’infanzia all’età adulta, lo scambio da un’epoca all’altra della vita. La metamorfosi ci lascia vedere come un’innocente ragazza diventi una donna, in modo irreversibile, definitivo, e soprattutto senza nessuna azione volontaria da parte sua. L’ispirazione di questo principio del passaggio proviene dalle celebri Metamorfosi di Ovidio, che ha trattato il tema in svariate maniere. Eppure, diversamente da Ovidio, la nostra autrice non sviluppa una narrazione, un racconto o un percorso di lettura del quadro. Non vuole imporsi all’osservatore dettandogli l’interpretazione dell’opera, come lei stessa esprime. Lo scopo non è né interpretazione né significazione, bensì suscitare un’atmosfera estetica enigmatica, aperta a molteplici letture interpretative.

A ciò corrisponde la funzione del paesaggio, spiegata attraverso il suo carattere onirico e simbolico, i cui componenti non vengono descritti concretamente, non devono e non possono venire definiti. Ciò permette all’artista di costruire un mondo mistico, ricco di significati nascosti.

La testa è la parte più importante del corpo, senza di essa non è possibile alcuna vita. Noi identifichiamo e distinguiamo una persona per lo più dal viso e dall’aspetto. Letteralmente essere senza testa per Elisa Bertaglia equivale ad una mancanza nella propria identità, uno stato di crisi, che provoca confusione e disorientamento, e allo stesso tempo impone la necessità di raggiungere la consapevolezza e la reale percezione della propria personalità. Il passaggio da un’epoca all’altra della vita non si può né fermare né superare o governare. Esso arriva e noi non sappiamo cosa succederà, per questo motivo l’artista evita una localizzazione spazio temporale attraverso il suo paesaggio mitologico esteriormente non collegabile ad alcuna forma reale, tale che nei suoi quadri si possa rispecchiare questo stato intermedio che destabilizza profondamente lo spettatore.

Un ulteriore importante aspetto è costituito dalla costante presenza degli animali: aironi, lupi, serpenti. Alcuni provengono dai luoghi in cui l’artista vive, tra i territori e le rive del fiume Po, altri provengono invece dalla sua immaginazione. In tutti loro Elisa vede una sorta di alter-ego, che impersona gli aspetti istintivi e intimi della nostra personalità, dei quali non vogliamo parlare e che cerchiamo anzi di nascondere.

Così intesi gli animali non sono affatto antagonisti degli uomini, ma piuttosto una loro forzata emanazione. A volte, ci dice l’artista, hanno la funzione di proteggere la parte interiore della nostra personalità, così che possano sopravvivere i nostri sentimenti istintivi. Ed è così, ad esempio, anche nel caso di un serpente o una vipera avvolta alla testa della ragazza. L’artista mette in chiaro di riferirsi a un tratto originario della cultura cristiana, ossia Adamo ed Eva e la perdita del paradiso, che appare così da subito davanti ai nostri occhi. Il serpente però non rappresenta il peccato, ma un istinto primordiale non ancora abbattuto, come nel bambino, di cui anzi inizia ad impossessarsi.

 

Elisa Bertaglia lavora in serie, anche in formati molto grandi, a volte parte anche dipingendo direttamente su pareti, che riempie di visioni e fantasie con la meticolosità con cui lavora su formati più ridotti. La sua poetica muove da un dialogo privilegiato con la letteratura classica, evidente già a partire dai titoli dati alle opere: Populus, Alma Venus, Venatrix Diana, Profunde, Milky Way. Populus III è stato esposto nel Padiglione delle Accademie alla 53° Biennale di Venezia nel 2011.

A fianco dei dipinti si può vedere anche un video, per il quale l’amico compositore Riccardo Vaglini ha realizzato appositamente la musica. Come avviene nei quadri silenziosi, anche il video ci conduce in un cosmo fantastico e immaginario, che noi non leggiamo, ma di cui possiamo seguire le tracce. Il film è stato p

resentato per la prima volta nel 2010 a Venezia.

 

Elisa Bertaglia dice dei suoi lavori che lei vorrebbe dimostrassero come tra le superfici del mondo ve ne sia uno sotterraneo, fatto di inconscio interiore ed immaterialità.

 

Dr. Carmen Roll

 

 

Room # 104 Entrance : Untitled (Bluedbirds 2)- Oil pastel on paper. 2015

 

 

 

Untitled (Bluedbirds 4)- Oil pastel on paper. 2015

Untitled (Bluedbirds 4)- Oil pastel on paper. 2015

 

Untitled (Bluedbirds 4)- Oil pastel on paper. 2015

Untitled (Bluedbirds 4)- Oil pastel on paper. 2015

 

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ACCENNI / ALLUSIONS – Simone Cametti Room #103

29 Jan
January 29, 2016

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Simone Cametti, Rome, 1982

 

Diploma in Sculpture, Academy of Fine Arts RUFA, Rome University of Fine Art, Rome.

Sculpture and installation are decisive parts in the poetics of the artist,

along with other media such as photography,audio and video.

Simone Cametti begins with the observation of materials and their physical characteristics.

Marble, iron, organic elements. In each he investigates the color, mechanical properties,

luster, shape, with the specific desire to conceal the matter of departure, to transform it completely.

A subtle game that the artist uses to tell, in a silent and almost invisible manner, unpublished stories.

Little snippets of everyday life that hold the memories of past functional objects.

For some time he has turned his interests towards the study of landscape, while holding as the center

of its investigation the material intervention in space.

Literally shifting the gaze on the change of perception due to changes

in the physical environment, by the artist himself.

 

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S.O.S Performance & C-Print on Fine Art Baryta, 2012

S.O.S Performance & C-Print on Fine Art Baryta, 2012

 

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ACCENNI / ALLUSIONS – Gabriele Silli Room #102

17 Jan
January 17, 2016

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Gabriele Silli  : Born in Rome, Italy,  in 1982 where he lives and works. He received his Degree in

Philosophy from La Sapienza University of Rome in 2009.

 

In 2004 founds with Giacomo Sponzilli and Carlo Gabriele Tribbioli the Mastequoia art group. His practice has pictorial roots and moves even through sculpture and performance.
Selected Solo Exhibitions: Esercizi di accanimento ottativo-digitali, Federica Schiavo Gallery, Rome, Italy 2014; Mastequoia op. 09-13. Rotterdam, Tokyo, Fès (with G. Sponzilli and C. G. Tribbioli), Viafarini DOCVA, Milan 2014; Mastequoia op. 09-13. Rotterdam, Tokyo, Fès (with G. Sponzilli and C. G. Tribbioli), Federica Schiavo Gallery, Rome 2014; Mastequoia op. 09-13. Rotterdam, Tokyo, Fès(with G. Sponzilli and C. G. Tribbioli), screening at Lo schermo dell’arte Film Festival, Florence & Filmstudio, Rome 2013; Forms of the Rock in a Night-Hymn #011 (with G. Sponzilli and C. G. Tribbioli), Galleria Otto Zoo, Milan 2011.

Selected Group Exhibitions: 

Arimortis, Museo del Novecento, Milan 2013 ; Far From Where We Came (with with G. Sponzilli and C.G. Tribbioli), Aaran Art Gallery, Tehran, Iran 2009; Pharaonesque (performance with G. Sponzilli and C.G. Tribbioli), V° Budapest Dance and Performance Festival, Hungary 2008; 1+1+1…, Fondazione Baruchello, Rome 2006;Selvatici bipedi – Otho – Melnikov! (performance with G. Sponzilli and C.G. Tribbioli), Mastequoia Theatre, Rotterdam, The Netherlands, 2006; Scegliere un oggetto, scegliere una parola e raccontare perchè (with Mastequoia), Fondazione Baruchello, Rome 2004 ; VII edizione del Festival Romapoesia (with Mastequoia), Rome 2004

 

Room #102 - Untitled, Oxidation by acid, collage,pigments on newspaper, 2014

Room #102 – Untitled, Oxidation by acid, collage,pigments on newspaper, 2014

 

Room #102 - Untitled, Oxidation by acid, collage,pigments on newspaper, 2014

Room #102 – Untitled, Oxidation by acid, collage,pigments on newspaper, 2014

 

 

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ACCENNI / ALLUSIONS – Veronica Della Porta Room #101 and Reception

10 Jan
January 10, 2016

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Veronica Della Porta was born in Modena in 1964, she lives and works in Rome.

She is an artist, scenographer and costume designer.

Before starting an autonomous creative path she collaborated with few artists like Mario

Schifano and Isabella Ducrot.

Her shoots are digital, black and white and unique prints.

 

SOLO EXHIBITION

2013 – s.t. foto libreria galleria, Rome, Italy

GROUP EXHIBITION

2014 – s.t. foto libreria galleria, Rome, Italy

ART FAIRS

Affordable Art Fair 2012, Rome, Italy

Setup Art Fair 2015, Bologna, Italy

 

Ferro 28 - Fine Art Inkjet on paper, 2011

Ferro 28 – Fine Art Inkjet on paper, 2011

 

Veronica Della Porta’s artworks testify the “beyond”.

The architecture beyond its use, studied in detail.

The space and the white lights beyond windows, the doors, the fissures.

The presence of the artists is concretized by the subtraction.

Veronica Della Porta excludes from her shoots what is essential to complete

reality.

 

 

Stanza 13-Fine Art Inkjet on paper, 2013

Stanza 13-Fine Art Inkjet on paper, 2013

 

In her artworks the everyday world that you can see from a window leaves

room for the silent but vibrant protagonism of the architectonic substance.

A photography becomes painting in Veronica’s hands thanks to a very careful

choice of the materials and kinds paper she decides to reproduce it on.

The print on bamboo or Japanese papers give uniqueness to her shoots

which are all unique pieces.

 

Spazio Arte Reception

Spazio Arte Reception

 

Spazio Arte Suite Living Room

Spazio Arte Suite Living Room

 

Vernissage November 12th, 2015 - Guests in the Suite

Vernissage November 12th, 2015 – Guests in the Suite

 

Suite

Suite  with ” Stanza 14″ – Fine Art Inkjet on paper,2013

 

 

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